Eva Riebler
1600 Jahre Venedig

Nicht umsonst wurde am 25.03.2011 von Landeshauptmann Erwin Pröll die von Dr. Matthias Pfaffenbichler kuratierte Ausstellung „Venedig – Seemacht, Kunst und Karneval“ eröffnet. Wurde doch am 25. März 411, zu Zeiten der Völkerwanderung also, Venedig als Rückzugspunkt für viele Völker gegründet. Vor allem Juden siedelten auf den über 100 Inseln und ein Fünftel der Bevölkerung waren Griechen. Daher wurden auch vorzugsweise die Bibelübersetzungen vom Hebräischen ins Griechische oder Lateinische in der Lagunenstadt gedruckt. Die Ansiedlung war immer eine Handelsniederlassung und brach mit ihrer Mutterstadt Konstantinopel bis zum vierten Kreuzzug nicht, um die Handelsbeziehungen nicht aufs Spiel zu setzten. 1204 allerdings eroberten die Venetianer Konstantinopel, die Hauptstadt Byzanz, und brachten reiche Beute nach Hause. Viele Wörter, wie Doge oder Groschen, stammen aus dieser Stadt. Das Amt des Dogen war nicht erblich und durch kluge Rätepolitik hielt sich diese Stadt als Festung und Speerschild gegen die Türken, siegte ruhmreich über diese in der Seeschlacht von Lepanto und hielt die Türken durch Scharmützel auf Kreta vom Hl. Römischen Reich fern. 50 Jahre herrschten die Habsburger über Venedig, da diese die Söldner und Arbeiter schlechter als bisher bezahlten, bedeutete das Unruhen und einen gewissen Niedergang der Lagunenstadt.

Anlässlich der Eröffnung wie auch im Mai finden zahlreiche Events und Kinderarrangements im Großen Arkadenhof statt. Italienische Musiker spielen Venezianisches und Folkloristisches. Burleskes Theater und Kindermodenschau, italienische Schmankerl, „Kinder-Gondeln“ oder „Venezianischen Märchen“ von Frederik Mellak stehen auf dem Programm Alberto Madricardo und Giovanni Floreani brachten im Großen Festsaal in Form einer Multi-Media-Show audiovisuelle Eindrücke Venedigs. Liebhaber von Literatur über und aus Venedig können im Museums-Shop fündig werden.

Als Literarische Veranstaltungen gilt es Samstag, den 22. Mai 2011, 11.00 Uhr das bewegte Leben des berühmten Venezianers, Schriftstellers, Abenteurers und Frauenliebhabers Giacomo Casanova, der als Einziger den „Bleikammern“ entkam, beleuchtet von Dr. Gertraud Mühlbach zu besuchen.

LitGes, März 2011

Ingrid Reichel
DIE FRAGE NACH DEM KINDSEIN

VON ENGELN & BENGELN
400 Jahre Kinder im Porträt
Kunsthalle Krems
Ausstellungseröffnung: 05.03.2011, 11 Uhr
Ausstellung: 06.03.2011 – 03.07.2011
Kurator: Hans-Peter Wipplinger, Nicole Fritz

Ausstellungskatalog:
VON ENGELN und BENGELN
400 Jahre Kinder im Porträt
Hrsg. Hans-Peter Wipplinger
Kunsthalle Krems, 2011. 160 S.
ISBN 978-3-901261-48-0
24.- Euro

Und wieder sind die Spots auf die Kunsthalle Krems mit einer epochenübergreifenden Ausstellung gerichtet. Hans-Peter Wipplinger, dessen Anliegen es nicht nur ist, Kultur als Enter- und Infotainment zu sehen, sondern deutlich den Aspekt der Bildung durch Sinnesgenuss wahrnimmt, hat zusammen mit Nicole Fritz eine hervorragende Kuratorenleistung erbracht. Bis Anfang Juli beherbergt die Kunsthalle Krems 400 Jahre Kinderportraits. Dass es dazu eines strikten und konsequent durchgeführten Leitfadens und einer starken Logistik bedurfte, liegt klar auf der Hand.

Die Schau umfasst 140 Gemälde, einige Grafiken, Skulpturen, eine Installation und wenige Videos von rund 50 Leihgebern aus europäischen öffentlichen Institutionen sowie Privatbesitz. Schwerpunkt bilden mehr als 30 spanische, flämische, englische und französische Alte Meister, die aus der Fundación Yannick y Ben Jakober aus dem Sa Bassa Blanca Museum auf Mallorca stammen. www.fundacionjakober.org

Die Stiftung Jakober verfolgt das Ziel, das Lebenswerk und die Kunstsammlung des Ehepaars Marie-Claire Yannick und Ben Jakober zu Bildungszwecken der Öffentlichkeit, besonders aber Kindern, zugänglich zu machen. Auf der Homepage der Stiftung erfährt man, dass die Kindergemäldesammlung alleine mehr als 150 Porträts aus dem 16. – 19. Jahrhundert umfasst und zu einem Teil als historisches Kulturerbe deklariert wurde. Für die Besucher sind laufend ca. 50 Werke in einem ehemaligen unterirdischen Wasserreservoir ausgestellt. Die anderen Kinderporträts befinden sich abwechselnd auf Reisen. Erstmals sind im Zuge der über vier Jahrhunderte übergreifenden Ausstellung, Werke dieser Stiftung in Österreich zu sehen. Für das Paar stellte sich zunächst die dringliche Frage, ob denn ihre Kinder auch mit den anderen Kindern spielen wollen? (Zitat: Ben Jakober). Schließlich waren ihre Kinder schon in vielen Ländern, aber blieben immer unter sich. Sie seien mit dem Resultat jedoch sehr zufrieden, beteuerte Ben Jakober bei der Pressekonferenz im Bistro Grasl & Salomon in der Kunsthalle am 03.03.2011, 10.30 Uhr.

Die Ausstellung geht vom Beginn des Kindheitsbegriffs der Renaissance und dem darauf folgenden Zeitalter der Aufklärung aus, sowie sie bereits die Philosophen John Locke (1632-1704), Jean-Jacques Rousseau (1717-1778) und Johann Heinrich Pestallozzi (1746-1827) vertraten. Vorwiegend konzentriert sich das Kinderportrait auf Abbildungen von Kindern bis 14 Jahre. Wichtig war den beiden Kuratoren, dass in diesem Dialog über Kulturgeschichte des Kinderportraits, die des (übermächtigen) Aberglaubens mit eingeflossen ist.

Abgesehen von der Darstellung des kindlichen Jesusknaben und der Puten sowie zu immer weiter zum Realismus tendierenden christlichen Künstlern wie Lucas Cranach, beginnt die Geschichte des Kinderportraits im höfischen Bereich.

Die Schau ist daher in folgende chronologische Aspekte unterteilt: das fürstliche Kinderbildnis, der Einfluss der niederländischen Genremalerei, die Romantik, das Biedermeier und die Moderne. Damit wird gezeigt, dass Kinderbildnisse im historischen Kontext und in Bezug auf politisch-gesellschaftliche und soziale Konstellationen gesehen werden müssen.

Francisco Ignacio Ruiz de la Iglesia zugeschrieben Spanische Schule: Portait der Infantin Margarita Theresa von Spanien, um 1665. Stiftung Jakober
Sir Thomas Lawrence: Maria isabella als Kind, Ende 18 Jh. Kunsthistorisches Museum Wien
Lovis Corinth: Stehender nackter Knabe, 1905. Privatbesitz

Die kindliche schöpferische Fähigkeit wurde von Künstlern wie Picasso wahrgenommen und als authentisch eingestuft, les beaux arts - die Schönen Künste - galten als kraftlos und tot. Die verklärte Verbreitung einer heilen Kindheit wird heute nur mehr in der Medienwelt proklamiert. Die Kunst der Gegenwart durchbricht jedoch dieses Klischee. Teilweise wird auf das kulturelle Gedächtnis verwiesen und feste Strukturen unter deren Kinder beeinflusst werden, hinterfragt.

Das „Kind im Gras“ (1930) von Christian Schad verdient eine besondere Aufmerksamkeit (Kat. S. 122). Christian Schad, der u.a. mit Otto Dix und George Grosz zu den deutschen Malern der Neuen Sachlichkeit zählte, galt auch als einer der wichtigsten Vertreter des Verismus, eine spartenübergreifenden Strömung, die sich durch exakte Beschreibung der sozialen Kritik widmete. Das Kind sitzt in der natürlicher Haltung eines Kleinkindes mit gespreizten Beinen frontal dem Betrachter zugewandt im hohen Gras. Sein Kopf richtet sich nach rechts oben, sein Blick schweift

Christian Schad: Kind im Gras, 1930. Privatbesitz

Mit dem Aufkommen der Kontextkunst und der Appropriation-Art in der 1980er und 90er Jahren befassten sich Künstler einerseits kritisch mit dem Hintergrund und den Bedingungen des historischen Kinderportraits, oder kopierten andererseits Werke Alter Meister und „legten damit neue Sinnschichten frei“. Neue Techniken generieren neue Darstellungsmöglichkeiten. Nicht zuletzt durch die digitale Technologie werden neue Möglichkeiten frei. Eine spannende kunstgeschichtliche Entwicklung, alleine durch die Gentechnik und Biogenetik, steht uns thematisch bevor.

Wipplinger und Fritz haben sich jedoch in der Aufhängung der Werke nicht alleine auf die Chronologie des Entstehungsjahres der einzelnen Bilder beschränkt. In jedem epochalen Abschnitt bringen die beiden Kuratoren ein Werk der Moderne als Kontrast zu den Alten Meistern ein. So beginnt die Ausstellung gleich im Gangbereich mit der 2:34 Minuten lang dauernden Videoinstallation „Children’s Crusade“ von Markus Schinwald aus dem Jahr 2004. Dabei handelt es sich um die Verfilmung eines Kreuzzugs einer ganzen Kinderschar, die im Stil der 40er Jahre gekleidet sind und durch Wien eine Figur verfolgen, die einer übergroßen erwachsenen männlichen Marionette gleicht. Farblich ist das Video eines ausgebleichten Farbfilms angepasst.

Im Oberlichtraum werden die Besucher mit fürstlichen Kinderportraits konfrontiert. Ihnen steht eine Holzskulptur „Ich, als Kind“ (1997) von Karin Frank gegenüber. Die Künstlerin, die als Kind die Strumpfhose als störendes Kleidungsstück empfand, bringt dieses Gefühl mit ihrer ca. 90 cm hohen und somit lebensgroßen, grob geschnitzten, weiblichen Kleinkindplastik, die eine echte rote Wollstrumpfhose trägt unmissverständlich zum Ausdruck. Auch die „Kindergruppe“ (2008) von Simon Schubert verfehlt ihre Wirkung nicht. Hierbei handelt es sich um drei in weißgekleidete identische Mädchen mit langen schwarzen glatten Haaren im Volksschulalter, die sich die Hand halten und fertig für eine Ringelreihe zueinander stehen. Sie sind etwas über einen Meter groß und aus Mixed Media hergestellt. Erst bei genauer Betrachtung wird man sich der ausgeübten Irritation bewusst: Die Mädchen haben kein Gesicht, die Haare überdecken rundum ihre Köpfe, Kinder als anonyme Wesen ohne Persönlichkeit, so stehen sie da. Fast wäre der Betrachter in die Falle getappt, wäre er an ihnen wie im alltäglichen Leben vorbei gegangen, fast. Von der Wand blickt die fürstliche Brut, eingezwängt in ihren feinen und teuren Brokatgewändern, und obwohl diese Kinder ein Gesicht haben, bleiben sie genauso anonym wie Schuberts Mädchengruppe, erschlagen vom Pomp und dem Schrei nach Macht ihrer Eltern. Zwischen den Kunstwerken lockern Vitrinen, durchgehend mit Spielzeugen und Kinder-Accessoires großteils anonymer Künstler geschmückt, die Schau auf. So werden zwei Radschlossbüchsen für Kinder aus dem 17. Jahrhundert des Büchsenmachers Hans Schmidt das aus Lego nachgebaute Sturmgewehr G11 von Heckler & Koch (2000) des Künstlers Manfred Erjautz gegenüber gestellt. Im ersten Stock findet man in einer Vitrine die extrem beängstigende Stachelkugel. „Sie symbolisierte Gebärmutter, Geburt und Frauenleiden. Es wird angenommen, dass die stachelige Schale der Edelkastanie mit der darin eingebetteten Frucht das Vorbild für die Stachelkugel als Gebildvotiv darstellte.“ (Zitat: www.beyars.com/kunstlexikon/lexikon_8557.html) Das Votiv als Rettung in einer Notlage generell aber besonders dieses gefährlich, stachelige Objekt bezeugt den immensen Aberglauben, dem die Menschen immer wieder anheim fallen. Natürlich fehlt auch die berühmte Fraisenkette nicht, die gegen den spontanen Kindstod in der Wiege helfen sollte. Auch fehlen Antiquitäten wie Kinderrasseln, ein Kinderspielaltar als Vorreiter der Küchenpuppe, ein Puppenwagen, ein Kinderhochsitz und Kindersitzschreibtisch aus dem frühen 20. Jahrhundert nicht. Ein Kindermieder und sogar ein Knaben-Kostümharnisch von Kaiser Karl V (1511/12) zeugen vom Stellenwert des Kindes jener Zeiten.

Ged Quinn: Country Girl, 2010. Privatbesitz Foto: http://www.artslant.com/sf/works/show/309034
Martin Honert: Foto, 1993. Sammlung Landesbank Baden-Württenberg, Stuttgart. Foto: http://en.wikipedia.org/wiki/Martin_Honert

Am einprägsamsten ist wohl Martin Honerts Installation aus Holz und Epoxidharz gefasste Figur mit Stuhl und Tisch in Naturgröße mit dem Titel „Foto“ (1993). Maßstabgetreu sitzt ein kleiner Junge verloren auf einem Sessel alleine am nackten Esstisch, der eine für die 60er und 70er Jahre typische gemusterte Plastikdecke vermeintlich übergeworfen hat. Das Werk offenbart nicht nur die Einsamkeit und somit die Trostlosigkeit der Kindheit, sondern schafft es auch aus der Dreidimensionalität eine Zweidimensionalität zu erzeugen, also von einer Installation den Eindruck eines Fotos zu vermitteln. Ein brillantes Werk!

Diese Installation diente auch als Cover des jüngst erschienenen Buches „Auch Deutsche unter den Opfern“ von Benjamin von Stuckrad-Barre (Verlag Kiepenheuer & Witsch), der als deutscher Journalist und Autor der Popliteratur die Medienwirklichkeit und Probleme des jüngeren Publikums zwischen Markenwelt und Selbstfindung thematisiert (Quelle: Wikipedia)

Eine ausgezeichnete durchkomponierte Ausstellung, vieles bleibt in dieser Rezension leider unerwähnt …
Die Neugierde kann nur über einen Besuch gestillt werden!

Noch kurz zum Katalog:

Der Katalog ist eine gute Ergänzung, bietet aber nur einen kleinen Trost, falls man es bis zum 03. Juli in die Kunsthalle Krems nicht geschafft hat. Leider sind nicht alle ausgestellten Exponate abgebildet, wohl aber ist ein komplettes Ausstellungsverzeichnis am Ende des Katalogs zu finden. Einige Werke sind mit Erläuterungen verschiedener Autoren versehen. Aufschlussreich sind die gesamten Beiträge: Hans-Peter Wipplinger führt in „eine kleine Geschichte der Kindheit“ ein, Yannick Vu (von der Stiftung Jakober) erläutert liebevoll die „Kinderbildnisse vom 16. bis zum 19 Jahrhundert“, Susanne Längle geht detailliert auf die „Bildnisse aristokratischer Sprösslinge des 16. und 17. Jahrhunderts“ ein, Nicole Fritz nimmt die „Kinderporträts in der Gegenwart“ ins Visier. Ein netter Einfall ist, dass man zwischen zwei Cover wählen kann: Entscheiden Sie, ob Sie einen Engel oder einen Bengel auf der Vorderseite des Katalogs haben wollen.

LitGes, März 2011

Ingrid Reichel
DIE KURZWEILE DES ALLTAGS

MIKROPHYTEN
Roland Schwab
HÖHERE DICHTE
Juliane Ebner
Edition Splitter & Galerie Splitter Art, Wien
Ausstellungseröffnung: 27.01.2011, 20 Uhr
Ausstellung: 28.01.2011 – 18.03.2011

Die Galerie Splitter Art zeichnet sich seit Ende Jänner wieder mit einer anspruchsvollen Ausstellung aus. Auf kleinstem Raum werden im 1. Bezirk Wiens, unweit des Stephansdoms, doch fernab vom Touristenrummel, gleich nach dem Hohen Markt, in der versteckten Salavatorgasse Nr. 10, immer wieder erlesene Ausstellungen geboten. Ganz nach dem Motto: klein, aber fein! Vor allem aber ohne viel Gehabe, Getue und Pomp. Es gibt sie, die intellektuelle Schiene im Verlags- und Galeriewesen. Batya Horn betreibt sie mit furchtloser Konsequenz. Seit 20 Jahren führt sie erfolgreich die Edition Splitter und seit 1997 spartenübergreifend, wie es schon der Verlag aus seinem Namen her verrät, die Galerie Splitter Art. Hier ist in der Tat eine Begegnungsstätte entstanden, die Literatur, Musik und Bildende Kunst international vereint.
Es ist daher nicht von ungefähr, dass sich die zwei ausgestellten Künstler Juliane Ebner und Roland Schwab, jeder für sich schon fachübergreifend, hier diese Räumlichkeit der Galerie Splitter Art auf symbiotische Weise und auf eigenem Wunsch für eine Gemeinschaftsausstellung teilen.
Trotz verflochtener Aufhängung der Werke, hat jeder für sich seinen eigenen Titel, sein eigenes Thema. Gemein ist ihnen das kleine Bildformat und der Schwerpunkt Mensch im Alltag.

Roland Schwab wurde 1969 in St. Cloud bei Paris geboren, wuchs aber in München auf. Nach Studiensemestern in Germanistik und Physik widmete er sich 1992 der Musik und der Darstellenden Kunst und absolvierte 1996 in Hamburg das Studium der Musiktheater-Regie. Bekannt ist er geworden durch seinen Beitrag im Mozartjahr 2006 mit den Mozart-Fragmenten und durch Tiefland von Eugen d’Albert 2007, die beide an der Deutschen Oper Berlin aufgeführt wurden, sowie Strawinskis The Rake’s Progress (Oper Dortmund 2009) und Mozarts Don Giovannni (Deutsche Oper Berlin 2010).

Schwab, der als Musiktheater-Regisseur gewohnt ist, Figuren in Bühnenbildern zu stellen, die Konstellation und Szenarien, die Beziehung zwischen Raum und Gestalt zu überprüfen, hat mit seinem Beruf noch nicht seinen Spieltrieb befriedigt. Ihn interessiert, wie es den kleinen Figuren, die eigens für die Bühnenbildmodelle erschaffen wurden, außerhalb ihres räumlichen Kontexts, des Theaters- und Opernbühnenmodells ergeht: „Wie werden sie sich ungeschützt gegen die Welt behaupten?“, fragte er sich und kreierte seine Welt der Mikrophyten. Mikrophyten gehören laut klinischem Wörterbuch zu den Mikroorganismen und sind pflanzliche Kleinstgewächse wie Spaltpilze und Algen.

Roland Schwab: Klimakonferenz
Roland Schwab: Happy Hour
Roland Schwab: Über sieben Brücken musst du gehen...
Roland Schwab aus der Serie "Eine kleine Kunstgeschcihte"

Bislang ist der Zyklus in 24 Farbfotografien (Auflage 1/5, 29,7 cm x 17 cm) aufgeteilt. Schwab stellt seine in Originalgröße c.a. 4 cm hohen Figuren mit Alltagsgegenständen in Verbindung, arrangiert Szenarien, die unser Dasein als Individuum auf humorvolle Weise in Frage stellt und gleichzeitig den menschlichen Aspekt absurder gesellschaftlicher Strukturen durch skurrile Assoziationen sichtbar macht. Hierfür benötigt Schwab die Verknüpfung von Bild und Wort. Es ist die Kombination des Bildes, des optischen Reizes mit dem gelesenen Titel, die den Witz und den Charme seines Zyklus ausmacht. Da wäre zum Bsp. der Hals einer Bierflasche vor der die kleinen Figuren in Schlange stehen, bereit in die schmale Öffnung der Flasche hineinzuspringen, sie ist mit „Neulich bei Auerbach“ (Mikrophyte #5) betitelt. Auerbach gilt als eines der ältesten Restaurants (Auerbachs Keller) und wurde vor allem durch Goethes Faust I bekannt. Außerdem gibt es den klassischen Auerbachsalto sowie viele Kleingemeinden im deutschsprachigen Raum, die Auerbach heißen. Mikrophyte #23 zeigt eine „Klimakonferenz“, dabei ist ein üblicher blauer Eiswürfelformer mit 12 Einbuchtungen zu sehen, in denen jeweils eine Figur in Eis eingefroren sitzt. Bei der „Happy Hour“ (Mikrophyte #4) sitzen die Figuren im Kreis einer Glaszitronenpresse unter der zum Pressen bereitgestellten Zitrone, wie Menschen in einem Park unter einem Sonnenschirm. Die coole Beleuchtung und das Glas erzeugen die Neonstimmung in einer Bar. „Über sieben Brücken musst du gehen, sieben dunkle Jahre überstehen…“ (Mikrophyte #7) ist die Abbildung eines herkömmlichen Kanalgitters, auf dem auf jedem einzelnen der sieben Kanalgitterstäbe eine Figur steht, die eine waghalsige Überquerung unternimmt, um von A nach B zu gelangen. Oder da wäre auch noch das „Stillleben“ (Mikrophyte #9), wo die kleinen Figuren auf einem Fliegenfänger kleben geblieben sind… nur ein paar dieser wunderbaren Mikrophyten seien repräsentativ beschrieben, um einen Eindruck des Absurden und Komischen zu vermitteln. Die vierteilige Serie „Eine kleine Kunstgeschichte“, die bei vollständiger Aneinanderreihung der Titeln folgenden Satz ergibt: „Verheißungsvoll zogen wir aus und …/ trafen auf ihn. Aber Josef Beuys ließ sich nicht die Butter vom Brot nehmen …/ schließlich bestahlen wir ihn doch …/ wurden aber unseres Lebens nicht mehr froh …“ ist mit einer Mikrophyte #10 im Zyklus vertreten. Die vollständige Serie ist auf der Homepage des Künstlers zu sehen.
Das Zusammenwirken von Wissen und Erfahrung mit Bild und Text erzeugt annähernd das Resultat eines Cartoons. Schwab geht feinfühlig vor, erzeugt keine Lacher oder gar Schenkelklopfer. Alleine, dass wir Menschen wie Bazillen wirken, rückt uns in das rechte Licht der Bedeutungslosigkeit in dem Universum in dem wir leben. Es ist das nachdenkliche, distanzierte Schmunzeln über uns selbst, das Schwab in uns auslöst. Keine Kritik, kein Sarkasmus ist zu spüren. Schwabs Entfremdung aktiviert unsere Spiegelneuronen ohne jegliche Bösartigkeit und versetzt uns eine gewisse Melancholie.

Die Idee mit kleinen Figuren Aussagen über unser Dasein näher zu bringen, ist selbstverständlich keine neue oder innovative Idee. Die gab es in der Kunst schon vorher. Hierbei sei zu einen der US-Mikro-Skulpteur Willard Wigan mit seinen in den Kitsch tendierenden Millimeterskulpturen für very rich people genannt. Im Unterschied zu den „Little People“ des britischen Streetart Künstlers Slinkachu (Zur Katalogrezension der LitGes) interagieren Schwabs Figuren nicht miteinander noch integrieren sie sich in ihr Umfeld. Sie sind lediglich eine anonyme Masse, die in Bezug auf ein Objekt ein verändertes Weltbild ergeben.
Man muss jedoch kritisch einwenden, dass der Begriff Mikrophyten in Bezug auf Kleinstmenschen falsch gewählt ist, da Menschen keine pflanzlichen Organismen sind. Dennoch sind Schwabs Mikrophyten eine Bereicherung auf diesem Sektor.

Die seit 2007 in Berlin lebende und arbeitende Künstlerin Juliane Ebner wurde in der Hansestadt Stralsund an der Meerenge der Ostsee Strelasund in Mecklenburg-Vorpommern (ehemalige DDR) geboren und absolvierte zunächst das Studium der Kirchenmusik in Dresden. Nach ihrer Tätigkeit als Organistin studierte sie in Kiel Theologie und Psychologie, und von 1999 bis 2005 Freie Kunst, die sie mit Diplom abschloss. Ausstellungsaktivitäten verzeichnet sie auf ihrer Homepage seit dem Jahr 2000. Ebner ist eine figurative Malerin. Repräsentativ sind ihre Folienarbeiten, die, um es wertneutral zu veranschaulichen, wie Hinterglasmalerei wirken. Dabei variiert sie von Großformaten, die Schaufenster ausfüllen bis zu Kleinformaten, die aneinandergereiht eine große Installation ergeben.
Für diese Doppelausstellung in Wien hat sie sich für kleinformatige Original-Siebdruckfolien hinter Acrylglas (31 cm x 45 cm) entschieden, die sanft in Schwabs strenger linearer Aufhängung in Augenhöhe der Wand entlang von oben hinab gleiten, sich mit ihnen kurzzeitig verweben und schließlich die Reihe der Mikrophyten durchbrechen.

Juliane Ebner: Original-Siebdruckfolie hinter Acrylglas

Ihre filigran anmutende Malerei nimmt Bezug auf die Auflösung der DDR. Die Demontierung des alten Systems zeichnet sich durch architektonische Dekonstruktion, überlappend mit Abbildungen von Panzern und Menschen ab. Die zierliche Darstellungsweise steht im Kontrast zum Inhalt. Ebner erinnert in ihrem Stil an ein gemaltes Tagebuch. Ihre Werke sind farbreduziert, beschränken sich auf Weiß, einem zarten Gelb und nuancierten Brauntönen, die mit den exzessiven schwarzen Flächen einen Antagonismus auslösen. Zusätzlich mit ihren grazilen konturhaften Linien erzeugt sie trotz der Transparenz, unweigerlich eine höhere Dichte.

Eine gelungene Ausstellung zweier völlig verschiedener Künstler, die in dieser Konstellation ein geistiges und ästhetisches Zusammenwirken vermitteln.

LitGes, März 2011

Eva Riebler
Das Pferd als Akt

Die Albertina zeigt Werke aus der eigenen Sammlung sowie Leihgaben aus dem Lenbachhaus München vor wiegend aus der legendären zweiten Ausstellung des Blauen Reiters von 1912. Präsentiert werden Werke, vor allem Linolschnitte (vorwiegend von August Macke), Holzschnitte (Campendonk, Franz Marc), Zeichnungen, Tusche, Tinte, Tempera- oder Aquarell-Bilder sowie zahlreiche Bleistiftzeichnungen und einige wenige Öl-Bilder oder Kohlezeichnungen in kleinen Formaten. Die 265 Bilder sind individuell gerahmt und nach Künstlerpersönlichkeiten gehängt. Als Plakat diente das bekannte Tier-Bild von Franz Marc: Rotes und Blaues Pferd (1912), das vielleicht fälschlich die Assoziation erweckt, die Farbgebung und der expressionistischer Stil seien repräsentativ für. die Schau. Sie ist mit Werken von Bloch, Campendonk, Delaunay, Jawlensky, Kahler, Kandinsky, Klee, Kubin, Lasker-Schüler, Macke, Marc, Münter, Sacharoff, dem Ehepaar Schiemann, Werefkin so umfangreich und international gut aufgestellt, dass Künstler wie Arp, Malewitsch oder Nolde, die ebenfalls 1912 bei der zweiten Ausstellung Der Blauen Reiter dabei waren, nicht vertreten sind. Die beiden Ausstellungen 1911 und 1912 zeigten damals keinen Zusammenschluss einer festen Gruppe unter einem bestimmten Motto oder Programm, sondern lose zusammengewürfelte Vertreter der repräsentativen Kunst dieser Zeit aus der Schweiz, Deutschland, Frankreich, Böhmen und vor allem aus Russland. Der Ausbruch des II. Weltkrieges zerstörte dann weitere gemeinsame Ambitionen und zerriss sogar Künstlerpaare wie Münter und Kandinsky oder die junge Familie Macke durch den Tod von August Macke 1914. Auch Franz Marc, der mit Kandinsky den Almanachen herausgab und Gründungsmitglied des Blauen Reiters war, fiel im Feld.

Besonders interessant an der Albertina-Ausstellung ist die Abfolge der 10 verschiedenen Entwürfe Wassily Kandinskys für den Umschlag des Almanachs Der Blaue Reiter sowie seine frühen Russischen Gouachen von 1901 bis 1907. Kaum bekannt und daher besonders beachtenswert sind die naiven Lithographien der als Literatin berühmten Else Lasker-Schüler, die sie zur Illustration des 1923 erschienenen Buches Theben verwendete, und genauso selten zu sehen, sind die einfachen Aquarelle von Elsa Schiemann und die farbenfrohen Gouachen von Marianne Werefkin.

Katalog anlässlich der Ausstellung:

ISBN 978-3-7774-2851-2 (dt.)
ISBN 978-3-7774-3271-7 (engl.)
51,30.- Euro

Im Vorwort geben die beiden Kuratoren Helmut Friedel, Direktor des Lenbachhauses, und Klaus Albrecht Schröder, Direktor der Albertina, zu recht die Auffassung kund, dass den graphischen Arbeiten auch heute noch besondere Beachtung zukommt. Durch den Umbau des Lenbachhauses und wegen der Dauerleihgaben der Sammlung Batliner und Forberg an die Albertina wurde diese bedeutende Schau der Werke der Blauen Reiter-Künstler in diesem Umfang erst ermöglicht. Im Gegenzug wird die Albertina Werke Egon Schieles im Herbst 2011 an die Galerie im Lenbachhaus verleihen.

Wie durch die Kooperation von Kandinsky und Marc die Ausstellungen Der Blaue Reiter nach München, in Frankfurt, Mannheim und Köln angeboten wurde, so wurde durch die Kooperation von Friedel und Schröder diese Schau in München und Wien ausgerichtet.

16 Künstler des Blauen Reiters fanden mit ihrer kurz gefassten, jedoch das Wesentliche wie das Aussagekräftigste enthaltenden Biografien und der Präsentation ihrer Werke Eingang in diesen Katalog. Spannend und informativ liest sich die jeweilige biographische Aufbereitung, angereichert um eine Werkinformation oder einen hilfreichen Werkvergleich.

Nicht nur die notwendige Werkliste, die Bibliographien und Abbildungsnachweise sind vollständig angeführt, auch drei Essays bringen Information zur z.B. 2. Ausstellung Der Blaue Reiter. Schwarz-Weiss (Annegret Hoberg). Sehr lebhaft und interessant liest sich die Schilderung des Zusammenfindens der Blauen Reiter-Künstler sowie der Briefwechsel zwischen Wassily Kandinsky und Franz Marc über ihren Disput über die Motive und die Qualität der Berliner-Künstler. Sie wollten eine internationale Ausstellung vorbereiten und waren glücklich, über Kontakte zu Schweizer Künstlern, die nach den französischen, russischen oder deutschen Malern noch in ihrer Sammlung fehlten.

Die weiteren beiden Essays sind von Karin Althaus und sind betitelt: „Die Malerei alleine genügt uns nicht“ und: Druckgraphik, Klischees und Künstlerbücher des Blauern Reiters. Über Ausdrucksmöglichkeiten und Techniken, über den Almanach Der Blaue Reiter und sein Entstehen, über den Galeristen Herwarth Walden als Pionier des Kunstbetriebes, über die europäische Avantgarde und die programmatische Konzeption der Brücke-Künstler oder der Blauen Reiter-Mitglieder, sowie über das naturgemäße Auseinanderdriften der losen Künstlergruppierung durch ihre Herkunft und Nationalität zur Zeit des Ausbruches des II. Weltkrieges geht die Spannbreite dieser informativen Artikel.

Ein umfassender, großartiger Katalog, der nicht nur Faszination und Wissen vermittelt, sondern auch kleinen und kleinsten graphischen Blättern in hervorragender Reproduktion Beachtung gibt.

LitGes, Februar 2011